viernes, 22 de marzo de 2013

CICLO DE VIDEO ARTE. MARZO 2013

MUSEO DE ARTE MODERNO DE BUENOS AIRES

ALIANZA FRANCESA DE BUENOS AIRES

Ciclo de videoarte y cine experimental
Jueves 4 de abril, 19hs.
Auditorio de la Alianza Francesa
Av. Córdoba, 936/  946 (CABA)


Coordinación : Victoria Simon

THIS IS JUST TO SAY
Gustavo Caprin / Andrés Denegri

Unos apuntes sobre This is Just to Say            


1. TIJTS es un diálogo de epístolas audiovisuales que se fue moldeando a lo largo de un año, por lo tanto cabe afirmar que el tiempo es un tercer autor de esta obra. Un diario compartido que no se conforma con sostenerse únicamente en el “narcisismo endémico” del lenguaje del video (la impronta y estética del registro casual, hecho ahora con celulares). Los autores “atacan” ese material y desde allí construyen sentido formal, estético y discursivo. El gesto particular es apropiado por el otro y resignificado, con lo cual se puede pensar este proyecto en capas tectónicas, o como ese juego de niños en donde las manos se apilan una encima de las otras.

2. TIJTS  es, consecuentemente, un catálogo de estrategias formales de expresión. En los 60 videos hay ideas bien traducidas que enriquecen y expanden los límites del lenguaje videográfico. Si el cine pretende borrar las separaciones entre fotogramas aprovechando la “falla” perceptual humana de la persistencia de la visión, el video contrariamente opera en los intersticios: su poesía surge de donde se ven los hilos del titiritero, de la propia cocina o del quiebre de las formas establecidas. En el caso de TIJTS los juegos formales, la experimentación, no son caprichosos; los autores se apropian y crean estrategias discursivas pero las pasan por el tamiz de su propio universo audiovisual, dentro de una coherencia propia del dramaturgo que escribe diálogos contenidos en las subjetividades singulares de cada personaje. Esta obra, enfrentada al cuerpo de obra de los autores, encuentra destellos de innovación pero se mantiene fiel a las reglas de sus propios discursos, utilizando de forma lúdica la autorreferencialidad.

3. TIJTS es un mapa de las personalidades de los autores. En el seguimiento anual del proyecto comenzaron a reflejarse aspectos biográficos, modos de reflexión e ironías que “moldearon” una imagen de los videastas. Federico Peralta Ramos: “Creo que la aventura del artista es el desarrollo de su personalidad, para obtener la “constitución” del yo.” A mitad del proceso me atreví a sentenciar que Denegri es un poeta melancólico y Caprín, un científico loco.
Denegri parte de una engañosa actitud documental de observación para luego destrozar ese registro: lo manipula, lo descompone en pantallas, altera los tiempos. Lo lleva al campo del lenguaje estructural. Así vemos retazos de imágenes: jardines con amigos compartiendo comidas o pensando proyectos; aeropuertos; paisajes urbanos; una tormenta; paseos, recuerdos, reflejos. Climas, entre la melancolía y la celebración. Como en casi toda la obra de Denegri, aparece el asunto del amor y sus dificultades. Celebra la vida y la belleza sin olvidar sus componentes amargos, porque son parte de ella. Su primer video muestra botellas en el piso; indicios de la fiesta que pasó. En uno de los últimos da a ver una paloma custodiando sus huevos, rodeada del infernal ruido porteño.
Caprín es un gran narrador de procesos, descriptos con ironía a partir de un pseudo rigor científico. Dibuja croquis, explica teorías imposibles o construye maquetas que se vuelven puestas teatrales cuya  potencia reside en la propia performance. Su mundo es el taller/laboratorio. Propone máquinas y dispositivos absurdos como el Lacan Mobile; honra a sus referentes (pasa lista en una clase a un alumnado compuesto por su propio dream team de artistas, escritores y filósofos). Si bien aparenta omitir la declaración directa de lo autobiográfico, el retrato intimista, aquello no lo vuelve un científico frío. En el video 51 hay un hombre (un muñequito) solo, estático por su condición, iluminado de costado, en lo que parece la esquina de una ciudad cualquiera. Atrapado entre sombras, vemos deslizarse una lágrima. Ese hombre y su estado recuerdan al corredor de Denegri, una imagen cargada de dramatismo existencial, lograda por la simple y hábil decisión de loopear al hombre atravesando el cuadro. Caprín retoma esta imagen y la resignifica al hacerlo correr por una playa. Es un pase de posta pero también una suerte de homenaje; una mirada hacia el otro como la mejor disposición para el diálogo.


Javier Olivera


Desde su aparición el video propició una estética de lo cotidiano, un gran caudal de imágenes que constituyen un elogio de lo íntimo. La subjetividad del realizador vuelca la mirada sobre sí, al punto tal de poder señalar un “narcisismo tan endémico en las obras de video” que llega a proponerse como la especificidad misma del medio (Rosalind Krauss).

This is just to say es un proyecto de Gustavo Caprín y Andrés Denegri que se enmarca en esta tendencia. Es un intercambio semanal de videos entre los dos artistas (uno con sede en Barcelona, el otro en Buenos Aires), que construyó, a lo largo 2012, un peculiar diálogo audiovisual compuesto de postales, cartas, confesiones, retratos, autorretratos, paisajes, pasajes autobiográficos, registros caseros, delicadas puestas en escena, imprevistos testimonios, grabaciones espontáneas, pequeñas acciones perfomáticas y bellas imágenes inútiles, que se articularán en el pulso de un diario personal narrado a un amigo.

This is just to say se caracteriza también por ser un proyecto esencialmente híbrido, propio de sus tiempos. Raymond Bellour: “Es el video, el videoarte, el que me parece corresponder de más cerca a esta transformación de la tradición retórica en el espacio moderno de la subjetividad. Pero hay que entender “el video” como entre paréntesis. Se trata, en efecto, de una situación peculiar, que sólo habrá servido para una vez y para un tiempo, durante el cual dos regímenes de imágenes (Caín y Abel, Cine y Video, decía Godard) se habrán encontrado frente a frente, cada uno influenciando, desplazando al otro, antes de terminar quizá un día, de una u otra manera, fundiéndose en uno solo.”

Hoy el espacio de esta fusión está determinado por el predominio de la tecnología digital. En sintonía con este idea, This is just to say es un proyecto en video (videoarte), con frecuencia semanal (televisión), que toma como soporte Internet (net-art), donde la articulación de cada una de sus partes constituirá un –incierto- relato (cine). Para completar el recorrido se puede aclarar que hoy los artistas se encuentran diseñando opciones para volcar este proyecto al espacio en forma de videoinstalación. 

Andrés Denegri / Gustavo Caprin

lunes, 19 de noviembre de 2012

CICLO DE VIDEO ARTE. NOVIEMBRE 2012

Museo de Arte Moderno y Alianza Francesa de Buenos Aires
Ciclo de video arte y cine experimental
Coordinación : Victoria Simon 

  
John Vicario, Shoppers Market













Transient control – selección de obras de Sheffield Fringe, Londres
Curadora invitada: Esther Harris

Jueves 29 de noviembre, 19 horas
Auditorio de la Alianza Francesa de Buenos Aires
Av. Córdoba 946, CABA



Sheffield Fringe es un proyecto curatorial de artistas y cineastas (Minou Norouzi, Jennifer Fearnley and Esther Harris), dedicado al desmoronamiento de las nociones de lo que constituye la forma documental. Se inició como espacio para explorar la intersección del arte y las prácticas documentales, a través de proyecciones, debates, exhibiciones y proyectos de investigación.

Este programa de obras inéditas en Argentina fue seleccionado por Esther Harris a partir de programas curados por Adam Hyman, Gil Leung, Esther Johnson y Minou Norouzi para Sheffield Fringe 2011&2012.

Esther Harris es una artista radicada en Londres. Su trabajo ha participado de festivales de cine y exhibiciones internacionales incluyendo el 38th International Film Festival, Rotterdam, Holanda, (2009), Women with Vision, Walker Art Center, Minneapolis, USA (2008), y Die Jugend von Heute/ The Youth of Today, Schirn Kunsthalle, Frankfurt, Alemania (2006). 


Programa
River Gauge | Simon Warner | UK 2004 | 3’
Una cámara estática registra la crecida de la marea frente a la señal de profundidad en el estuario de Ouse, en Blacktoft, Yorkshire. A medida que la cámara gradualmente es envuelta, los puntos de referencia y foco se disuelven en un entorno nuevo y totalmente abstracto.

Shoppers Market | John Vicario | USA 1963 | 22‘ | 16mm | UK Premiere
“Los supermercados y sus cosas llaman a nuestras billeteras a través de nuestros ojos y, presumiblemente a nuestros estómagos a través de nuestra boca. Lo remarcable del film recientemente redescubierto de John Vicario, Shoppers Market (1963), es la atención a nuestros oídos. Con fragmentos de conversaciones de clientes, mezclados con el ambiente de la tienda de Santa Mónica que lleva el mismo nombre y Muzak (incluyendo algunos agregados en postproducción hechos por el cineasta como Ussachevsky y Bartók), el film de Vicario realizado en UCLA, presenta un tapiz fascinante de material observacional que nos lleva al límite de nuestras ansiedades personales en torno al producto y la producción, la ausencia del tiempo y los comercios abiertos 24 hs, caminando los pasillos y buscando la salida.” Ken Eisenstein
Copia restaurada, cortesía del Academy Film Archive

The Story of my Beds | Gabrielle Le Bayon | UK 2009 | 15 ‘ | SD
Hacer la cama por la mañana es sencillo y un gesto simple. Algunos de nosotros la hacemos todos los días, otros no. The Story Of My Beds es el relato fracturado de un ritual, donde desplegar sábanas sobre una cama es como correr un telón rojo en un teatro nocturno. La cama es el punto de partida hacia el camino de la realidad, de una más o menos vida cotidiana aquí y allá.

P.S. | Margaret Salmon | UK 2002 | 8’00
Enojo y frustración son habitualmente expresados con pronunciamientos repetitivos. Aquí un par de formas de discusión, el primer retrato fílmico dentro de las series de Salmon sobre tipografías americanas. La casi imposibilidad de escuchar el audio de la banda de sonido contribuye a la desesperación, mientras que visualmente P.S. teje un material a partir de inconografías de un amplio espectro de films incluyendo films clásicos de Hollywood, de los años 40 y documentales del New Deal.
 Courtesy of Margaret Salmon and LUX, London.

No Strings Attached | Pascual Sisto | USA 2007 | 1’30 | SD
Expuesta contra un sol árido atrapado en un pedacito de hormigón de L.A. No Strings Attached muestra una silla de plástico familiar resistiendo durante un cambio transicional, y llevada a un estado constante de suspensión. Mientras que la silla es sometida a una coreografía algo sádica, en tanto es antropomórfica, la observación de este proceso y su realización técnica involucra el humor, la exitación y construye una tensión que finalmente otorga alivio.

Vineland | Laura Kraning | USA 2009 | 10‘ | DV
En el último autocine de Los Angeles, imágenes dislocadas de Hollywood se cargan de angustia apocalíptica, en el nocturno y desolado paisaje de la Ciudad de la Industria. En esta zona fronteriza, proyecciones reencuadradas y espejadas se chocan con el sonido de una radio, revelando la superposición de realidades en la intersección de la nostalgia y la alienación. "... Vineland habla suavemente y de manera elocuente de la fantaseada realización de imágenes, de la presencia y la escala de las imposiciones de Hollywood en el paisaje…" - Tony Pipolo, Millenium Film Journal

?O,Zoo!(TheMakingof a Fiction Film) | Philip Hoffman | UK 1986 | 23’ | 16mm
?O,ZOO! (The Making of a Fiction Film) de Philip Hoffman usa un formato de diario para bordear la narrativa fílmica de otro ( Una z y dos ceros, de Peter Greenaway) y trazar la anatomía de la realización pura de una imagen. “Pura” es la palabra justa, y no lo es: Hoffman es un hombre adicto al hermético estoicismo de las imágenes fílmicas, y plagado por la sospecha de que estas imágenes, lejos de ser puras, son costras arrancadas a las llagas del mundo” - Robert Everett-Green
Courtesy of Philip Hoffman and LUX, London.

Agradecimientos especiales a Esther Johnson, Gil Leung, Adam Hyman y Luciano Zubillaga.

 

lunes, 22 de octubre de 2012

CICLO DE VIDEO ARTE. OCTUBRE 2011

Museo de Arte Moderno y Alianza Francesa de Buenos Aires
Ciclo de video arte y cine experimental
Coordinación : Victoria Simon


Jueves 1 de noviembre, 20 hs. 

Auditorio de la Alianza Francesa de Buenos Aires
Av. Córdoba 946, CABA

BIM (BIENAL DE LA IMAGEN EN MOVIMIENTO)

XIMENACUEVAS (México)
ENSAYO DE UN CRIMEN
Curaduría: Fabiola Torres-Alzaga


Ensayo de un Crimen.
Texto en torno a la obra de Ximena Cuevas

De niños, varios pensamos que cerrar los ojos era ausentarse. La desilusión fue la misma de llegar a la isla desierta y descubrir que encender una pequeña radio era encontrar la otra cara del espacio que aparentaba estar vacío. La ficción termina al encender las luces de la sala en el supuesto de reconstruir la frontera entre lo real y lo ficticio. ¡Corte! grita el director. La actriz se limpia el Vick VapoRub para dejar de lagrimear. Hacia el público, para dejar de llorar. En la época de oro del cine mexicano, el macho no lloraba, y la mujer no paraba de llorar. Todo según el papel que haya que representar. La máscara, el gesticulador. Uf! Lo que debemos de ofrecer para pertenecer. El Diablo en la Piel. Las fronteras se cruzan. Archimboldo de la Cruz, personaje de la película Ensayo de un Crimen de Luis Buñuel no es un asesino siendo que lo es en potencia. Ximena Cuevas, que había trabajado en el cine, me contó otras maneras de efectuar el llanto, tal vez más efectivas para un real melodrama, el drama de la representación, ver la verdad del llanto. El detrás de la cortina de las manos de Lana Turner con cicatrices para producir sus lágrimas. Ximena, tras algunos intentos, tomó un chile verde y lo puso en contacto con sus ojos. También funcionó.
Una media mentira para llegar a una media verdad. Los gringos dicen estar invadidos de mexicanos. Los mexicanos decimos estar invadidos por los productos gringos, y así nos vamos. ¡Corte! Vuelve a gritar el director, el charro mexicano escupe la hamburguesa que aparentaba comer deliciosamente. Ximena nos ha parado en esa línea que fluctúa de un lado a otro como látigo que no se decide estar. Acá estamos entre lo que queda dentro del cuadro y el después del corte. Sí, es un fragmento de un comercial para la televisión. Aparato que está dentro de la recámara y a un lado de la cajonera que guarda la ropa interior. Nuestra isla desierta. Los medios llegaron para quedarse y la realidad no termina de reconstruirse. Es Cinépolis, la Capital del Cine.
Efectivamente, cuando abrí los ojos, seguía ante la misma escena, la espectacularización de la vida del otro, un talk show. No me había ausentado por bajar los párpados. Abrazar la leña de la chimenea. Podría ser calor de hogar. Volver al yo. “Ver para creer” dicen varios ante lo que se cree increíble. Pero las apariencias en un mundo visual ya no son lo opuesto a lo real, tan sólo su complemento. Staying Alive. La leña no desprendía fuego, sino tan solo su imagen. El cuidadoso cascarón promete su dibujo, pero es electrónica y se apaga como quien apaga la televisión. Tómbola es el nombre del talk show que transmitían al aire y en el que Ximena Cuevas fue una de las participantes. Como duelo de coplas en los cancioneros del cine mexicano (duelo de pistolas en cualquier western), Ximena toma su pequeña cámara de video y apunta hacia la cámara de televisión que previamente ya la enmarcaba.
Fabiola Torres-Alzaga

XIMENA CUEVAS (México 1963) Desde que con dieciséis años entró a trabajar en la Cineteca Nacional de México y se “volvió adicta al olor del celuloide”, Ximena Cuevas no ha parado de trabajar con el material audiovisual. Se dedicó al cine en un primer momento (como asistente de dirección, directora artística, continuidad y doble de luces) y colaboró con directores como John Houston (“Bajo el Volcán”, 1984) o Arturo Ripstein (“Mentiras Piadosas”, 1988). Pero en 1991 decidió abandonar esta labor para dedicarse con exclusividad al trabajo en vídeo. En su abundante videografía, que forma parte de las colecciones permanentes de centros como el MOMA de Nueva York y el Pompidou de París, explora temas como el artificio, la mentira, las relaciones entre la ficción y la realidad, la vida diaria, las emociones fabricadas, la autodestrucción como forma de religión o los rasgos de la identidad nacional (de México, “un país de colores brillantes en el exterior y blanco y negro en el interior”) y del género. “Las 3 Muertes de Lupe” (1984), “Corazón Sangrante” (1993), “Medias Mentiras” (1995), “Contemporary Artist” (1999) o “Cinépolis, la capital del cine” (2003) son algunos de sus títulos más conocidos. En ellos se mezclan el barroquismo caricaturizado del melodrama; el humor irónico que radiografía los tópicos de su país, del mundo del arte o de nuestra sociedad en general; o la complejidad de las emociones personales. Con una mirada que se fija en los pequeños detalles y que recurre al gran bagaje de cultura cinematográfica que la avala –fruto de la pasión gestada desde cuando a los trece años vivía en París y se convirtió en una consumidora habitual de cine-, crea un universo de imágenes complejo con una estética definida y personal. Sus vídeos se sitúa en algún punto intermedio entre el documental, el aval de verdad que proporcionan las cámaras ocultas, la ficción apropiada del cine y la ficción construida precisamente a partir de la propia realidad.


Fabiola Torres-Alzaga (México, 1978) Artísta multidisciplinaria que vive y trabaja en la Ciudad de México. Su obra se centra principalmente en la delgada línea entre lo real y lo especular, la construcción mental y física de mundos ilusorios evidenciando lo improbable de lo probable y lo realista de lo ficticio. Estudió en la escuela Activa de Fotografía y posteriormente la licenciatura en la ENPEG “La Esmeralda”. Ha participado en diversas exposiciones colectivas en México, Barcelona, Stuttgart, Tel Aviv, entre otros. Individualmente ha expuesto Porta-infinitos en la Sala de Arte Público Siqueiros, México, 2004; La Habitación, en el Festival Cervantino, Guanajuato, México; y en el 2005 Sólo creo lo que veo, en la Glorieta del Metro Insurgentes, México. Obtiene en el 2004 y 2012 la beca Jóvenes Creadores del FONCA y en el 2011 Residencias en el Extranjero (Argentina) FONCA.


Programa
Cinépolis, la capital del cine (Cinepolis, the movie capital)
2003 , 22 min. miniDV
Single channel video

Colchones Individuales (Single beds)
2002, 18 min. miniDV
Single channel video

Dormimundo (Sleep world)
1999, 30 min. miniDV, VHS,
super 8
Single channel video
Cama, Estamos para servirle, Contemporary artist, Hawai, Destino, Almas gemelas, Natural instincts, Diablo en la piel, Calzada de Kansas

Ensayo de un Crimen (Rehearsal for a crime)
2005, 1 min MiniDV
Single channel video

Someone behind the door
2005, 12 min VHS & Video 8
Single channel video

Staying alive
2001, 5 min. miniDV
Single channel video

Tómbola (Raffle)
2001, Infiltration in open tv

viernes, 28 de septiembre de 2012

CICLO DE VIDEO ARTE. SEPTIEMBRE 2012

Museo de Arte Moderno y Alianza Francesa de Buenos Aires
Ciclo de video arte y cine experimental
Coordinación : Victoria Simon




Jueves 27 de septiembre, 19hs. 
Alianza Francesa de Buenos Aires, Av. Córdoba 946, CABA
Las particulas elementales (2011)
Una obra de Gabriela Golder con música y montaje de Santiago Pedroncini 



“Soy un ojo. Un ojo mecánico. Yo, es decir, la máquina, yo soy la máquina que os muestra el mundo como sólo ella puede verlo. Yo atravieso las muchedumbres a gran velocidad, yo precedo a los soldados en el asalto. Liberado de las fronteras del tiempo y el espacio, yo organizo como quiero cada punto del universo”. Manifiesto Cine Ojo, 1923

Fábricas, engranajes, cuerpos en movimiento, manos haciendo, miradas atentas. Un obrero se acerca a la máquina, que hierve, que echa fuego. Un trabajador rural, recoge los frutos de la siembra, inclinado, su rostro casi a ras del piso. Otro obrero, y otro, y muchas mujeres obreras

Cómo entender la historia de un país a través de la historia del trabajo?

“Las partículas elementales” es una película sobre el trabajo construida a partir de imágenes del Archivo de Sucesos Argentinos, noticiero emitido en Argentina entre los años 30' y 70'.
 
Gabriela Golder (Buenos Aires, 1971).
Artista, curadora independiente y profesora en diversas universidades de la Argentina y el exterior. Actualmente es co-directora de CONTINENTE, Centro de Investigación en Arte Electrónico, Universidad Nacional Tres de Febrero y de la Bienal de la Imagen en Movimiento. Fue artista en residencia en el Banff Centre for the Arts, Canadá, en el Centre International de Création Vidéo Pierre Schaeffer (CICV), Francia, en la Kunsthochschule für Medien, Alemania, en el Schloss Balmoral, Alemania, en el Wexner Center for the Arts, EEUU; en la Université de Québec à Montréal, Canadá; en la Chambre Blanche, Québec, Canadá, en la RBHouse of Art, Sao Paulo, Brasil; Le 104, París, Francia. Por sus obras recibió diversos premios, entre otros el Premio Luis Espinal, Brasil, el "Sigwart Blum" de la Asociación de Críticos de Arte de Argentina, el Media Art Award del ZKM, Alemania, el primer Premio en el Salón Nacional de Artes Visuales, el primer premio en Videobrasil , el gran premio en el Festival Videoformes, Francia y el Tokio Video Award, Japón.

Santiago Pedroncini (Buenos Aires, 1965)
Músico, montajista y docente.
Compuso la música de numerosos largometrajes y cortometrajes de ficción, experimental y documental, obras de teatro y danza-teatro.
Integra el grupo Malyevados con el que ha editado 2 discos. 
Fue integrante, durante 18 años, de la Pequeña Orquesta Reincidentes, con la que editó 8 discos y giró varias veces por Europa, Uruguay y Argentina. 
Ha grabado como invitado en discos de Guillermo Pesoa, Yayo Cáceres, Alejandro Oliva, Me darás mil hijos, Pablo Krantz, entre otros.
Como montajista trabajó también en ficción, video experimental y documental.
Es docente de Edición Digital y JTP de Taller de Imagen I y II en la UNTREF.
Realizó tutorías de montaje en la escuela Observatorio de Cine.
 
 

martes, 21 de agosto de 2012

CICLO DE VIDEO ARTE. AGOSTO 2012



Museo de Arte Moderno y Alianza Francesa de Buenos Aires
Ciclo de video arte y cine experimental
Coordinación : Victoria Simon 


Viernes 31 de agosto, 19hs. 

Alianza Francesa de Buenos Aires, Av. Córdoba 946, CABA
Puyehue
De Victoria Sayago y Bruno Stecconi

 “Espejo al cabo en forma de pregunta. Por los biseles se escapa la tarde” Arnaldo Calveyra
El 4 de junio de 2011 el volcán Puyehue  ubicado en la República de Chile entra en actividad. Sus cenizas, a causa de fuertes vientos patagónicos, cruzan la cordillera cubriendo una gran parte de la Patagonia Argentina.
El fuerte impacto ecológico, económico y social genera una transformación determinante de la región y la vida de sus habitantes. Los medios de comunicación masivos (radios, televisión y diarios), difunden con insistencia la noticia durante el primer mes, volviendo luego invisible el fenómeno que sin embargo perdura.
El aire se vuelve irrespirable, los paisajes desconocidos. Entre las pérdidas millonarias, la poca preparación e intervención del Estado, el éxodo de muchos de sus habitantes y la incertidumbre para aquellos que deciden quedarse, lo trágico y lo hermoso se funden en un registro que lejos de momificar e inmortalizar, quizás logre sublimar la apertura del tiempo y sus transformaciones.
La tragedia se vuelve un instante más en el tiempo, el hombre un punto en el espacio, y la vida se sublima en cada partícula, por sobre todas las cosas, en forma de pregunta.


Directores: Bruno Stecconi y Victoria Sayago. / Productores: Bruno Stecconi y Victoria Sayago./ Productor Asociado: Gonzalo Fontana / 67 min, HD, super 8 mm, color./ Año de realización: 2011

Victoria Sayago (1980)

Cursó la Licenciatura en Cinematografía en la Universidad del Cine. Se dedica a la investigación, realización y docencia del cine y video experimental. Produce tanto en video, super 8 mm, como en soportes de fotografía analógica. Ganadora de una Beca Nacional del Fondo Nacional de las Artes, hizo talleres de cine experimental con Claudio Caldini y de Fotografía con Guillermo Ueno. Actualmente se encuentra trabajando en una edición y compilación de la obra de la cineasta argentina Narcisa Hirsch junto a MQ2* Editora. Da clases en la Carrera de Artes Electrónicas- UNTREF y es tallerista de la Cine + Chicos. Dio clases en: F.U.C. junto a Jorge La Ferla, Posgrado de Lenguajes Artísticos Combinados- IUNA, Instituto Vocacional de Arte. Trabajó en la Curaduría de Arte del Ministerio de Educación de la Nación (2003-2010). Su obra formó parte de: Bienal de Fotografía de Lima Perú, F.I.V.A Almirante Brown, MedMedia Festival Internacional de la Imagen. M.A.M Medellín, "Videografías in(visibles)" en América Latina. A.T.A. y A.E.C.I., Muestra Premio MAMBA- Fundación Telefónica, 4ª Edición, 15º Festival Internacional de Artes Electrónicas Videobrasil, 11ème Biennale de l'image en mouvement Ginebra, Paseo del Bicentenario, Ciclo Video Arte MAMBA Buenos Aires 2010, Currículum Cero 2008 Galería Ruth Benzacar, Fundación Standard Bank, Buenos Aires Photo, Arte Ba con Galería Big Sur, Muestra: “Viajo y un vagón hermoso” Centro Cultural Borges, Espacio Canasta, Galería Arte y Parte, entre otros.
Bruno Stecconi (1981)
Nació en la ciudad de General Roca, Río Negro, Argentina. Desde 1999 reside en la Ciudad de Buenos Aires. Estudió un año de Ciencias Políticas y egresó de la Universidad del Cine, Tecnicatura en Iluminación y Cámara, en el año 2003. Trabaja en diversos soportes como la fotografía y el cine. Es realizador freelance en el ámbito comercial. Actualmente escribe su tesis de Maestría en Medios y Arte en la Universidad Europea de Estudios de Postgrado (European Graduated School) y dirige la Editorial de cine y video experimental MQ2* junto a Daniel Böhm. Realizó talleres de fotografía junto a Guillermo Ueno y Alberto Goldenstein y de cine experimental junto Claudio Caldini. Sus obras fueron expuestas en: Bienal de Almería, Bienal del Fin del Mundo, Galería Praxis, Consulado Argentino de Nueva York, Bienal de Berlín 2012, Berlinale Talent Campus Argentina, “Ficciones” Encuentro Bienal de Fotografía y Nuevos Medios - Maldonado, Uruguay, Espacio de arte Formosa, Festival de la Luz, Festival Internacional de Videoarte de Almirante Brown, Bienal de Fotografía Lima Perú, Festival de Video Danza Buenos Aires, Buenos Aires

miércoles, 25 de julio de 2012

CICLO DE VIDEO ARTE. JULIO 2012


Museo de Arte Moderno y Alianza Francesa de Buenos Aires

Ciclo de video arte y cine experimental
Alianza Francesa de Buenos Aires, Av. Córdoba 946, CABA
Jueves 26 de julio, 19hs Alianza Francesa
Coordinación : Victoria Simon


 


VIDEOARTE PERUBA 2012
Curadores: Rodrigo Quijano / Rafael Polar Pin
La presente muestra es una compilación de piezas en formato de video de algunos de los más representativos artistas visuales del medio peruano. Estas piezas, que datan desde el 2006 hasta la actualidad, nos comprueban como las temáticas que rodean al videoarte son absolutamente diversas y no existe necesariamente una línea o tendencia que los unifique. Desde la utilización de material de archivo o dibujos animados, para mediante la edición y postproducción modificarles el sentido inicial, hasta el propio registro del material dirigido por el artista haciéndonos recordar al cine de autor, el videoclip o al formato documental. El videoarte evidencia su propuesta contemporánea de ser un medio al que se recurre con relativa facilidad y al que aún no le encontramos límites. Es un medio que le es familiar al espectador, no le es ajeno. Y esa familiaridad es de la que el artista se aprovecha para encontrarnos desprevenidos y cambiar nuestros paradigmas visuales. Es por ello que, ante la proyección o el monitor, no queda mas que acostumbrarse a la sorpresa.

Rodrigo Quijano es escritor y curador y vive en Lima, Perú. Fue fundador y miembro activo del colectivo Espacio La Culpable (2002-2009), un espacio gravitacional en la escena contemporánea limeña de principios y mediados de la década, experiencia recientemente destacada en el Art Space Directory (2012), la publicación que le dedica el New Museum (NY) a la contribución de los espacios independientes en todo el mundo. Recientemente fue curador de Arte al paso. Coleçao Contemporanea do Museu de Arte de Lima-MALI en la Pinacoteca de Sao Paulo en mayo del 2011. 
                                                                                    
Rafael Polar Pin nació en Lima. Entre el 1993 y 1998 estudia artes plásticas en la Pontificia Universidad Católica del Perú graduándose de bachiller. En el 2002 hace una maestría en Poéticas Visuales en la Escuela de Comunicaciones y Artes de la Universidad de São Paulo. En el 2005 vuelve al Perú e ingresa al mundo del cine publicitario trabajando como asistente de dirección y director de arte. Actualmente se divide entre el cine publicitario, el video arte y el cine documental. Es productor y director del largometraje documental “LIMA BRUJA. Retratos de la Música Criolla”.

PROGRAMA
-       Dirección, de Luz María Bedoya (2006)
-       La Barra, de Luz María Bedoya (2011)
-       Desert, de José Luis Martinat (2011)
-       Guerra, de José Luis Martinat (2011)
-       Rey de los Cerros, de Marco Pando (2006)
-       Pucusana, de Ishmael Randall (2010)
-       Hijos de la nada, de Gabriel Acevedo (2010)
-       El Contorno, de Maya Watanabe (2011)
-       Caso nominativo basado en un poema de Jorge E. Eielson, de Maya Watanabe (2010)
-       Vicepresidente, de Humberto Polar (2005)
-       Tito Matagatos, de Rafael Polar (2009)
-       Cameraman, de Rafael Polar (2010)
-       Huayano y fuga detrás, de David Zink Yi (2011)
-       Propaganda, de Christian Alarcón (2010)

miércoles, 13 de junio de 2012

CICLO DE VIDEO ARTE. JUNIO 2012


Museo de Arte Moderno y Alianza Francesa de Buenos Aires
Ciclo de video arte y cine experimental
Alianza Francesa de Buenos Aires, Av. Córdoba 946, CABA
Miércoles 27 de junio, 19 horas
Coordinación : Victoria Simon

 
Karine Bonneval
Acclimatation (2009) y Après Bonpland (2012)

Fascinada por los procedimientos vernáculos que  han permitido en todos los tiempos a los seres humanos expresar su relación con el mundo que los rodea, Karine Bonneval desarrolló un vocabulario casero para producir piezas acerca de nuestros comportamientos sociales contemporáneos.
Sus instalaciones, dispositivos y esculturas construyen y reconstruyen las definiciones sobre lo natural y lo artificial.
Sus films recrean un mundo paralelo, sin embargo jamás alejado del nuestro: detrás del
brillo y el encanto de las materias se esboza la energía animal de universos con acentos estridentes.
A través de juegos de correspondencia, ella unifica en un punto lo humano, su cuerpo, sus comportamientos y su huella.

Dos films imaginados a partir de dos exploradores reales, Charles Poncet de Brétigny y Aimé Bonpland, cada uno simbolizando a su manera elecciones radicalmente diferentes: con formas dictatoriales que viran a la locura (Poncet de Brétigny) o con la visión más sombreada y respetuosa de un hombre del Iluminismo (Bonpland)
Acclimatation se presenta como una ficción expresionista, mientras que Bonpland es una road-movie que sigue las huellas contemporáneas de Aimé Bonpland.

Charles Poncet de Brétigny es el primer francés que instala una coloina en la Guayana francesa en 1643. Se transforma en un déspota que reina sobre un grupo de franceses enfermos y desorientados y termina loco, asesinado en el bosque.
Aimé Bonpland no es muy conocido en Francia a pesar de sus expediciones a América Latina. Es un hombre que se mantuvo bajo la sombra de Humboldt.
Su trayectoria como botanista lo trae a Argentina en 1816 donde él contribuye al desarrollo de la cultura del mate. Lo que es llamativo, es que este hombre no volverá jamás de su expedición, instalándose definitivamente en Argentina, donde muere.

Nacida en La Rochelle, Francia, en 1970, Karine Bonneval vive hoy en la región Centre. Es representada por la galería Martine et Thibault de la Châtre en Paris, desde 2001.

Programa

Acclimatation / 2009 / 19’ 53’’ / Color(16mm, mini dv, super 8) transferido a dvd
Imagen : Denis Louis, Karine Bonneval. Con: Erick Auguste
Música: Lembe Lokk, Jean-Christophe Onno
Realizado con el apoyo de Pôle Image Haute-Normandie

« Acclimatation » sigue la evolución de un personaje solitario, mitad jardinero mitad sabio loco, que vive en un invernadero de manera autosuficiente. Este hombre está inspirado en el primer francés que colonizó la Guayana, Charles Poncet de Brétigny, et en el dandy Des Esseintes de la novela « A rebours » de Joris-Karl Huysmans (1884). El construye un edén entre las plantas domesticadas, practicando extrañas operaciones sobre sus huéspedes vegetales y sobre sí mismo. Por la noche, carreras extrañas en el bosque primitivo pueblan sus sueños, pesadillas de naturaleza inmanejable que irán enseguida a acompañar sus días cambiantes. El invernadero botánico se transforma en la encarnación de nuestra voluntad de manejar la naturaleza: plantas salidas de bosques vírgenes, traídas y mantenidas artificialmente en vida dentro de microcosmos de vidrio, estudiadas, transformadas según nuestros deseos.

Après Bonpland / 2012 / 25’12’’ /Color y B&N (super 8, hd, mini dv,) transferidos a dvd
Imagen y sonido : Karine Bonneval
Con : Mehdi Harzallaoui, Aurora Arbelo, Nathalie Geffard, José Bonpland, Claudia Navas-Courbon, Carolina Bonpland, Paulo d’ita i cora, Antoine de Bary.

El film es una road movie donde el trayecto retoma hoy el camino argentino de Aimé Bonpland.
Las imágenes, tomadas en un primer viaje a Argentina, tratan de seguir las transformaciones y las subsistencias de un territorio, como podría haberlo hecho el botánico.
El proyecto entrelaza entrevistas, dando claves para comprender el hombre que fue Bon pland en su época y vistas contempráneas de las provincias atravesadas, encadenadas con extractos de sus diarios de viaje (retranscritos a partir de los originales conservados en el Musée National d’Histoire Naturelle de Paris).